Giz de cera Crayola

Uhuuu!!! Feliz Ano Novo, pessoal! O primeiro post de 2024 vai bem colorido, com uma resenha sobre gizes de cera da marca Crayola que eu trouxe da viagem que fiz pra Argentina. 

Vocês sabem que gosto desse material (aliás, qual material artístico eu não gosto, né?), e quando vi baratinho na lojinha duty free (sem imposto) do aeroporto, não resisti e comprei. A caixa com 96 cores estava custando ARS 6.000 / US$ 13,50... Paguei em pesos argentinos, e na conversão da época (nov/2023) ficou uns R$35.

Pra começar "do começo", vou descrever o produto para vocês: Crayola é uma empresa sediada nos EUA, que fabrica material artístico escolar em geral, não só de giz de cera. Mas os gizes são bem "famozinhos" porque a gente acaba vendo a embalagem deles em filmes, séries, animações etc.

Os bastões de cera são finos e apontados, envoltos por uma capinha de papel, onde está escrito o nome da cor de cada giz. Isso eu achei bem legal! Adoro quando vem o nome ou código das cores nos produtos. Os bastões vêm separados em 6 grupos (caixinhas menores) dentro da caixa grande - embalagem principal. Nesta caixa há um furo na parte de trás, um apontador de plástico embutido para que a gente consiga afinar novamente as pontas gastas.

Bom, como eu disse, os gizes têm o nome das cores na capinha de papel e estão separados em 6 grupos (caixinhas menores). Alguns grupos são fáceis de identificar a lógica da organização - uma das caixinhas são só de cores neon; já outros são mais difíceis entender. Eu fiz as cartelas de cores de cada grupo e tentei dar um nome pra eles de acordo com a minha percepção.

Sobre a pigmentação dos gizes, apesar de terem cores muito bonitas, eu achei que a maioria deles tem cera demais na composição. Digo a maioria porque alguns gizes soltam mais pigmento que outros, e são mais macios de usar. Reparem as cores da caixa 3 na imagem acima, os azuis e os vermelhos são uma delícia de usar e preenchem o papel completamente, já o "vivid tangerine" e o "copper", por exemplo, deixam falhas por causa da quantidade maior de cera.

Também fiz uma segunda checagem usando essa folha de teste que tem espaço maior para rabiscar e fazer anotações. Se você se interessar para testar seus materiais, explico como usá-la neste post.

Por último, não menos importante, fui pro teste mão na massa! Colorir um desenho com os gizes de cera Crayola. Como sei que giz de cera não oferece muita precisão no traçado, elaborei um desenho com áreas maiores para preenchimento e formas arredondadas pra facilitar a vida. Usei papel Chamequinho branco 120g/m², que tem uma superfície bem lisinha.

Tive dificuldade em mesclar ou sobrepor algumas cores, principalmente por causa daquela variação na quantidade de cera dos bastões que falei. Dava vontade de apertar mais o giz contra o papel na esperança de soltar mais pigmento, mas dá medo de quebrar o giz. Hehehe!

"Não é força, é jeito." Conhece essa frase? Me apeguei a ela pra usar os gizes da melhor forma. Já que não é possível ter uma cobertura uniforme de pigmento no papel com todos eles, explorei as texturas, o traçado marcado, e as sobreposições possíveis. O resultado está na imagem abaixo:

Conclusão

De modo geral, acho que os gizes Crayola atendem muito bem à função de material artístico de linha escolar/amadora. Claro que um artista também consegue se divertir utilizando esse material, se assim desejar. Afinal, o Cappuccino bate na tecla de que não é a ferramenta que faz o artista.

Sobre o resultado do desenho, eu senti um ar de ilustração de livros mais antigos. Os riscos marcados e as texturas deixaram a ilustração com um certo movimento. Ah! E também foi possível utilizar o recurso de raspar o giz pra trazer pontos de luz em algumas áreas do desenho.

Fiquei com vontade de fazer uma comparação com os gizes escolares da Faber-Castell, mas talvez num outro momento. Você se interessaria por um post assim?

Me conta o que achou nos comentários. E se tiver alguma dúvida, dica, ou sugestão, fique à vontade pra compartilhar!

Até a próxima! o/

Tinta à óleo

Agueeeeenta, coração, que esse dia chegou! Cappuccino com tinta à óleo, finalmente.

Vou mentir não, como minha rinite ataca até com "bom dia", evitei usar a tinta à óleo o máximo que pude durante a vida porque tinha medo do fato de ser uma técnica que precisa do uso de solventes e óleos com cheiros fortíssimos.

E estava super feliz com meus estudos somente nas tintas à base de água - aquarela, guache, acrílica - até que um belo dia:

Promoção na papelaria! Caixa com 8 tubos de tinta à óleo, 50 pau! hahahaha

Sem brincadeira, a tinta ficou aqui em casa 1 ano sem eu nem encostar na caixinha. Aí um dia desses, arrumando meus materiais, vi que o vencimento era tipo, ano que vem! rs Desesperei e saí caçando tutorial no YouTube.

A tinta à óleo

É uma tinta encorpada, vendida em bisnagas, e como o nome sugere, composta de pigmento + óleo. Isso quer dizer que em vez de misturar com água, a gente precisa misturar óleo (geralmente óleo de linhaça) ou solvente para diluir.

Os pigmentos da tinta são normalmente compostos por metais pesados (titânio, cádmio, cobalto). Lembra das aulas de química e da tabela periódica que servia só de enfeite na sala de aula? Pois bem... Você, jovem aspirante a artista, que escolheu humanas porque odeia química, física e matemática, sinto dizer que usamos tudo isso em artes também.

Se liga: se você quer um tom de verde pastel na sua pintura, vai precisar mistura um azul cobalto com amarelo cádmio e branco de titânio. BUUUUM! Explodiu. hauahau brincadeira, não explode, mas é bem tóxico.

Solventes

Pra minha sorte, hoje em dia já vendem solventes sem cheiro e que não são tão fortes e tóxicos quanto uma terebentina ou um querosene da vida. Inclusive, num post antigo sobre pastel oleoso, cheguei a usar aguarrás pra um estudo e nunca mais pretendo repetir o experimento.

Claro que o fato de não ter cheio forte não anula a toxidade de um solvente. Procure sempre estar num ambiente bem ventilado, e de preferência com máscara e luvas, pra evitar inalação e contato direto com essas substâncias. Se você for uma criança, adicione "supervisão de um adulto" a essa lista de segurança.

Equipamento de segurança

Perdi a conta de quantas vezes usei a palavra "tóxico" neste post. Mas assim, gente, não é pra ficar com medo também não, tá? A tinta à óleo é uma das mais recomendadas para quem tá querendo começar a pintar, basta ter um cuidadinho especial.

Como eu sou muito estabanada, preciso ficar alerta o tempo todo pra não coçar o rosto com mão suja de tinta, ou me policiando pra não colocar cabo de pincel na boca. Ainda não precisei usar luvas, pois até tenho lembrado de lavar as mãos imediatamente quando encosto na tinta, mas tenho usado máscara e avental (ou uma roupa que não tem problema sujar) quando vou pintar.

Pinceis

Use os piores que tiver em casa, porque vai dar muita dó de usar pincel bom. Aqui eu separei os mais velhos, os desgastados e os mais baratinhos pra poder aprender a pintar, porque a limpeza com solvente estraga as cerdas fácil!

Pra não danificar tão rápido, aprendi a tirar só o excesso de tinta com o solvente e depois lavar o pincel com água corrente e sabão neutro em barra.

Tela, papel ou madeira?

Sei lá! XD

A tinta à óleo pode ser aplicada em qualquer um desses suportes, contanto que você faça uma preparação da superfície antes. (Já deu preguiça, né?) E eu aprendi da pior forma possível!

Estou usando sobras de papel paraná pra testar.

Essa foi a primeira pintura com tinta à óleo DA VIDA! Tive dificuldade no processo porque o papel absorvia a tinta toda, eu não conseguia espalhar, as cores não misturavam do jeito que eu imaginava... Já estava quase desistindo.

Foi aí que descobri um tal de "gesso acrílico" que é usado pra fazer essa preparação da tela/ papel/ madeira. Comprei um pote de um troço chamado "base acrílica". Não sei se dá no mesmo, mas até agora serviu bem pros meus outros testes.

A imagem abaixo foi o meu segundo teste, já preparada com duas demãos da base acrílica: 

Como a base impermeabiliza o papel, consegui deslizar melhor com pincel e aplicar a tinta mais facilmente. Mudou completamente a minha experiência e passei a gostar mais!

Tempo de secagem

Diferente das tintas à base d'água, óleo leva alguns dias (semanas, até meses) para secar. Isso permite a gente trabalhar com calma na pintura, fazendo um pouco a cada dia, pois com a tinta fresca, podemos modificar uma coisa ou outra se precisar.

Porém, todavia, entretanto (minha amiga Joyce vai rir lendo o começo deste parágrafo), para alguns efeitos de pintura, será preciso esperar a tinta secar completamente antes de trabalhar novas camadas por cima.

É possível acelerar o processo de secagem adicionando produtos à tinta. Mas eu já comprei um monte de coisa e não pretendo gastar mais grana com isso não. A tela vai demorar um ano secando se precisar!

Conclusão

Tô apaixonada né... foi inevitável. Um dia esse encontro teria que acontecer.

Sigo assistindo vídeos no YouTube pra aprender técnica e tentando praticar sempre que possível. A sala da minha casa tá uma loucura, mas tô amando. Quanto mais a gente "sente na pele" o quanto dá trabalho pintar um negócio, mais valor damos pra quem faz isso bem.

Obrigada pelo seu tempo e paciência para ler este post imenso. Agradeço também se puder me dar dicas nos comentários. <3 Toda troca de experiência é bem-vinda.

Fiquem bem. Até a próxima! o/

Guache escolar x Guache profissional

Oi, galera!

Falei sobre tinta guache no post anterior aqui no blog e, ainda empolgada com a postagem, me propus um desafio: comparar guache escolar com guache profissional usando como base um mesmo desenho - uma fanart de Naruto.

Lá no Instagram eu fui postando etapa por etapa, mas eu queria muito trazer também o relato completo de como foi a experiência de uso desses dois materiais. O resultado me surpreendeu!

Desenho do Naruto que fiz para testar as guaches.

Mas primeiro, algumas palavras

O objetivo deste post não é dizer qual é melhor e qual é pior. Seria muito injusto, pois são materiais projetados para finalidades diferentes.

Quem é leitor do meu blog há mais tempo sabe que meu propósito aqui é deixar arte, design e processo criativo o mais acessível possível. Tanto em relação a conhecimento, quanto a materiais. Ao longo dos anos trabalhando como designer e ilustradora, fui tendo condições de investir um dinheirinho em materiais um pouco mais caros e com mais qualidade. Porém, criatividade, imaginação, força de vontade e experiência não são itens que a gente consegue comprar. 

Então, nunca se limite por falta de um ou outro material, combinado? Um bom artista não é aquele que tem os melhores materiais, e sim o que faz o melhor uso do que tem disponível.

Dito isso, vamos pra "batalha de tinta guache"

As duas marcas usadas nessa comparação são: potinhos de Acrilex - para categoria escolar; bisnagas TGA - na categoria profissional.

Pintura dos desenhos usando guaches Acrilex (à esquerda) e TGA (à direita)

Primeira diferença que encontramos de cara nessa comparação é o formato em que a tinta chega pra gente. Enquanto no potinho de guache escolar as cores já estão na sua saturação e mistura prontas pra uso, a guache profissional vem super concentrada e cabe a nós misturar as cores e diluir em água pra poder usar.

A cor vermelha da Acrilex já vem "pronta". Com a tinta TGA eu precisei misturar um pouco da cor magenta com a cor amarela até conseguir esse tom de vermelho.

Comparativo: guache TGA à esquerda / guache Acrilex à direita.

Com a tinta guache escolar, eu tinha praticamente todos os tons da paleta do Naruto em potinhos. Já com guache profissional, eu tive que misturar as cores para obter os tons necessários para pintar. É possível notar na imagem acima a diferença entre vibração das cores - a escolar é está mais saturada e "viva".

Cada fabricante tem a sua fórmula de pigmentos e aglutinantes para fazer um produto. E cada tipo de produto atende a um nicho específico. Na guache escolar eu notei a tinta bem mais viscosa, gelatinosa, e foi preciso muitas camadas para cobrir completamente uma área do desenho. Também foi preciso bastante calma nos detalhes de contorno, porque a tinta fica mais no pincel do que no papel.

A tinta guache profissional, por outro lado, fica mais fluida e o pincel desliza no papel que é uma maravilha! Além disso, não precisei passar muitas camadas pra preencher as áreas do desenho, pois a tinta é bem concentrada em pigmento e rende bastante. Mas cuidado pra não diluir demais! rs Precisa ir dosando a água direitinho.

Pinturas finalizadas lado a lado.

Outra grande dificuldade que tive foi o uso da tinta em si. Independente de ser escolar ou profissional, eu ainda não domino o uso de guache e cometi vários erros técnicos. =P

Conclusão

Hoje em dia, prezando pela maior qualidade e durabilidade dos projetos entregues em mídia tradicional, opto usar guaches profissionais. Mas isso não anula o fato de que posso (e devo) brincar e produzir coisas incríveis também com materiais de linha escolar.

Mesmo tendo usado materiais com finalidades distintas, acredito que cheguei num resultado estético muito satisfatório em ambos os desenhos. Teve algum que você gostou mais?

Espero que este post sirva de incentivo para que você ouse, use e abuse dos materiais que já tem em casa. Desenhe sempre, desenhe feliz!

Até a próxima! o/

Camera Obscura

Quem me acompanha no Instagram deve ter visto os stories sobre a experiência com a câmara escura no final de semana.

Camera obscura é um termo em latim que significa "quarto escuro" ou "caixa escura", um sistema antigo de projeção de imagens que funciona igual aos nossos olhos e que mais tarde evoluiu para o surgimento da câmera fotográfica. A luz entra por um pequeno furo feito na caixa, e se projeta na parede interna oposta ao furo. Como a propagação da luz se dá de forma linear, a imagem é gerada espelhada e de cabeça pra baixo.

Há registros de que essa ferramenta já era conhecida no mundo antigo (séc IV a. C.) para estudar astronomia. A imagem a seguir é um desenho de Gemma Frisius (um médico, astrônomo, cartógrafo, matemátio e tudo o mais que a renascença permitia ser), do ano de 1544, mostrando aplicação do conceito para observação de eclipse.

Reza a lenda de que muitos artistas também a utilizaram como recurso auxiliar para desenhos através dos séculos, e que os modelos "compactos" começaram a surgir em meados do século XVII, durante o Renascimento. 

Podemos achar registros sobre aplicação das técnicas de projeção de imagens nos cadernos de Leozinho (Leonardo da Vinci), e nas pesquisas feitas sobre a arte do pintor holandês Johannes Vermeer, conhecido por "pintar com a luz", e cujas obras possuem aspecto de fotografias coloridas.

A suposição sobre o uso da camera obscura pelos grandes mestres da pintura gera bastante polêmica, pois algumas pessoas consideram tal prática como um tipo de trapaça, diminuindo a genialidade dos artistas daquela época; enquanto outras pessoas apreciam o uso desta tecnologia como ferramenta de auxílio para composição - uma vez que a tal genialidade dos mestres pintores engloba outros fatores e conhecimentos técnicos.

No vídeo abaixo podemos ver uma câmara escura construída no século passado em São Franscisco, CA, e em funcionamento até hoje. Com a entrada de luz posta em um teto giratório, as pessoas conseguem visualizar a imagem panorâmica 360º da praia projetada sobre uma superfície dentro da sala.

O vídeo está em inglês, mas independe do idioma para entender o fenômeno.

Tecnologia e arte sempre andaram de braços dados. A cada nova descoberta, uma revolução artística! Foi assim quando descobriram as leis da perspectiva; o surgimento do plástico influenciando diretamente na fabricação de tintas mais acessíveis; a fotografia deixou a pintura livre e movimentos artísticos surgiram a partir disso; os computadores possibilitaram que desenhos fossem feitos sem a necessidade de uma mídia física... e por aí vai.

Agora me diz, qual a sua opinião sobre a câmara escura? 

Deixa aqui nos comentários.

Até a próxima o/ 

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MAIS MATERIAIS SOBRE CAMERA ESCURA:

Definição - Camera Obscura - Itaú Cultural

Documentário Tim's Vermeer, 2013 

Outro documentário Vermeer: master of light (em inglês)

Filme Moça com Brinco de Pérola 

Vídeo Como fazer uma câmara escura de papelão por Manual do Mundo

Teste seus materiais sem medo

Este é mais um post para aqueles que, assim como eu, precisam trabalhar o medo de colorir desenhos. Fiz pra mim uma "folha de testes" que complementa a cartela de cores que disponibilizei no post sobre as canetinhas Geloo.

Costumo dizer que para se perder o medo de pintar seja lá o que for, precisamos conhecer os materiais, saber as cores, testar misturas, e praticar exaustivamente. Recentemente voltei a usar lápis de cor para pintar alguns desenhos e, antes de riscar o papel, adquiri o hábito de testar a mina do lápis em um papel de rascunho para ter certeza da cor. Isso já me dá uma confiança maior para colorir os desenhos sem medo de estragar, mas além de consumir material extra, notei que essa prática acaba me tomando um pouco de tempo a mais para finalizar um desenho.

Assisti alguns vídeos no youtube de pessoas que possuem grupos de colorir, e vi que a maioria fazia anotações das cores dos lápis em um papel para consultar. Foi daí que veio a ideia de elaborar uma folha de teste padrão, na qual eu pudesse especificar a marca do material, fazer anotações prévias e sugerir instruções de misturas ou possibilidades de efeitos. Desta forma, em vez de ter um papel rascunho sempre a tiracolo, eu teria um documento já com dicas do que posso fazer.

Vou deixar a imagem abaixo disponível em alta qualidade para que você possa baixar e imprimir. O formato original é de um A5, então sugiro impressão de 2 páginas por folha para melhor aproveitamento de papel. 

Clique na imagem para visualizar e baixar.

A princípio a folha conta com um mini círculo cromático para primárias e secundárias, espaço para 12 cores, 3 retângulos e 6 bolinhas para testes gerais de misturas, transições, sobreposições etc, além de um espaço pra observações gerais. 

Folha de teste - protótipo - lápis metálico Faber-Castell

No protótipo acima, ainda manuscrito, fiz estudos da minha caixa de lápis metálicos da Faber-Castell - que tem 12 cores - e achei que esse formato atende as minhas necessidades no momento. Aos poucos vou atualizando de acordo com os materiais que tenho no ateliê para tentar facilitar a vida. Espero que ajude a facilitar a sua vida também.

Depois me conta o que achou.

Até a próxima! o/

Encáustica - técnica do artista Vinícius Zocolotti

Você já ouviu falar sobre encáustica? Tive oportunidade de presenciar a técnica visitando o ateliê de Vinícius Zocolotti (@nativa.atelier), artista plástico, terapeuta holístico, arteterapeuta e meliponicultor aqui do estado. Uma pessoa talentosíssima de quem o trabalho admiro muito!

A encáustica, ou pintura com cera quente, é uma técnica artística antiga grega usada tanto para pinturas em cavalete quanto pinturas de mural, e que com o passar dos anos foi adquirindo funcionalidades práticas devido à durabilidade e qualidade. Para confecção das tintas é necessário misturar pigmentos com cera branca ou cera de abelha derretida. É um processo demorado e meticuloso, o qual Vinícius se dedica por completo.

Vinícius Zocolotti em seu ateliê.

Por ser meliponicultor, ele é bem exigente em relação à qualidade das ceras mistas orgânicas e dos pigmentos usados para fazer suas tintas. O processo de fabricação dos bastões é relativamente simples: a cera é derretida e dividida em porções para cada cor de pigmento; depois a mistura colorida é depositada em moldes e colocada para esfriar. Não me foi revelado a proporção de cada item, um mistério que só faz crescer meu interesse no trabalho. Os bastões ficam prontos para uso quando se solidificam por completo, e, segundo o artista, fatores externos como temperatura ambiente e umidade podem influenciar no resultado e no tempo de secagem.

Bastões de cera e materiais para pintura encáustica - ateliê de Vinícius Zocolotti.

Em seu ateliê, Vinícius possui, além das tradicionais ferramentas de pintor - como pincéis, espátulas, goivas etc - alguns objetos de uso doméstico que produzem calor e que são usados exclusivamente para as pinturas, como chapas de fritura (que ele usa como godê), ferro de passar roupa, secador de cabelo, solda, maçarico, entre outros. Desta forma, é possível derreter gradativamente os bastões produzindo efeitos diversos e texturas belíssimas no suporte.

Esquerda: A Roda / Direita: Axis Mundi I

Quadros do acervo de Vinícius Zocolotti - venda sob consultoria.

Devido ao nosso clima tropical com verões castigadores, as pinturas de encáustica são sazonais, tendo seu pico de produção nos meses correspondentes ao inverno. Nas outras estações, a dedicação maior de Vinícius está na confecção dos artigos de sua marca Nativa Atelier, nos atendimentos terapêuticos e no cultivo de mel e alimentos orgânicos do sítio que a família possui no interior do estado. O contato com a natureza também é uma forma de desacelerar o ritmo frenético da vida na cidade, colocar a mente no momento presente, e aproveitar as energias da terra.

As abelhas do meliponário viram motivos de suas obras.

 Quadro do acervo de Vinícius Zocolotti - venda sob consultoria.

No seu espaço de criação encontramos sempre músicas étnicas e tribais, batuque, mantras; artigos de decoração místicos; tarots; toneladas de livros; e gatos brincando. Talvez a tranquilidade do ambiente seja uma tentativa de acalmar a mente fervorosa e criativa de quem o habita. É como se a gente se acalmasse e se agitasse ao mesmo tempo... Dualidade digna de soneto de um outro Vinicius.

Detalhe da parede decorada do ateliê.

A encáustica é uma opção de técnica para quem tem receio de sujar a casa toda de tinta. Por ser à base de cera, não corre o risco de manchar o chão nem a roupa, e a manutenção do ambiente de trabalho é simples. Além disso, não há necessidade de aplicar verniz na pintura! A cera que Vinícius usa, quando polida, deixa um efeito brilhoso lindo nos quadros, e ele mesmo ressalta: "quanto mais polir, mais reluzente fica". Porém, deve-se ter todo o cuidado do mundo para não se queimar durante o trabalho.

Fico por aqui, espero que tenha gostado de conhecer um pouco sobre encáustica e sobre a produção artística do Vinícius Zocolotti. Quando puder, trarei mais artistas e seus processos criativos para o blog. Combinado?

Até a próxima! o/

Tipos de gravuras

Tenho visitado a cidade de São Paulo algumas vezes, sempre de maneira corrida, no estilo bate-e-volta, mas algo que tento fazer sempre que vou é visitar pelo menos algum centro cultural. Da última vez que estive lá, passei no Itaú Cultural, localizado na Av. Paulista, e trouxe lembrancinhas:

Meus lindos catálogos/Lembrança de viagem (?)

Todo centro cultural oferece, de forma gratuita, catálogos das exposições que estão acontecendo no momento, guia de acervo, etc. Além disso, alguns outros impressos podem ser disponibilizados gratuitamente. Os três impressos que trouxe são: um catálogo sobre a Ocupação Ilê Aiyê - que conta a história do primeiro bloco afro do Brasil, e um apanhado geral super interessante sobre a cultura negra no país; um livreto da Declaração Universal dos Direitos Humanos, que completou 70 anos agora em dezembro; e o catálogo Imagens Impressas, da exposição das gravuras históricas.

Pois bem, foi o catálogo de gravuras que me deu inspiração para o post de hoje, pois vi que nunca falei sobre esse assunto de maneira mais aprofundada. Espero que goste. Vamos lá!

Gravuras

A gravura é uma das formas de reprodução de imagem e texto mais antigas que existe. "Gravura" vem de "gravação", que a grosso modo significa "esculpir" ou "entalhar". O tipo de gravura se define pelo material da matriz de gravação, que pode ser madeira, pedra, metal, borracha, cera...

Xilogravura - "xilo" quer dizer madeira. Portanto, xilografia significa "gravar em madeira" e xilogravura é a gravura feita com matriz de madeira. A precisão dos entalhes varia com o tipo de madeira escolhida para trabalhar, e os desenhos costumam ficar um pouco mais grosseiros em relação a outras técnicas. Para gravar em madeira, geralmente se usam goivas, mas recentemente, pirógrafos também vem sendo usados como ferramenta.

Moça Roubada - xilogravura de J. Borges.

No Brasil, as xilogravuras de maior expressividade fazem parte da cultura nordestina e estão presentes na literatura de cordel.

Litogravura - "lito" significa pedra. Mesma lógica de nomenclatura... Litografia é a gravação em pedra, e litogravura é a imagem resultante da matriz gravada. Por ser um material bem duro, as gravações em pedra são feitas ou com ferramentas de entalhe mais resistentes e de metal, ou com ácidos. No segundo caso, a pedra recebe uma camada de cera ou gordura e o desenho é feito sobre essa camada. Em seguida, se joga um ácido para corroer os espaços da pedra sem proteção.

Fonte: canal Centro de Artes Gráficas

Um processo beeeem trabalhoso, mas de resultado lindíssimo! O sonho da minha vida é um dia ter um ateliê imenso, cheia de maquinário que me permita usar a técnica que eu quiser. Custa nada sonhar, né? rs

Calcogravura - "calco" em grego significa cobre vermelho. Estamos falando aqui da gravura em metal. As matrizes são gravadas com ferramentas chamadas pontas secas, que são na verdade pontas finas em outros metais duros que servem para riscar o metal mais "macio" e produzir nele o desenho. Também é possível usar corrosivos no metal para gravar.

Calcogravura com água-forte de Carlos Oswald, acervo do Museu Nacional de Belas Artes/IBRAM

Fonte: Paulino, Helenira

É comum ouvir pessoas mais velhas se referindo à imagens em livros como gravura, e essa nomenclatura vem do processo de impressão de textos e imagens que era feito antigamente. Atualmente as gravuras ganharam um caráter muito mais artístico do que funcional, uma vez que possuímos tecnologias de impressão bem mais rápidas e eficientes para grandes tiragens. Reproduzir imagens se tornou cada vez mais fácil, e é comum termos scanners e impressoras em casa.

O catálogo de gravuras do Itaú Cultural pode ser folheado online. Nele tem mais informações sobre cada tipo de técnica de gravura e seus usos ao longo da história. Fora que apresenta vários exemplos maravilhosos! Vou deixar aqui pra vocês ;)

Fonte: Imagens Impressas, Itaú Cultural

Já teve alguma experiência com gravura? Já tentei algumas coisas com xilo, mas confesso que não levei à frente. rs Qual a técnica que mais te atrai? Me conta aí, vai...

Até a próxima! o/

Matriz de isopor

Olá, meu bem!
Minhas vizinhas de blog e eu costumamos nos reunir praticamente todo dia para falar de arte, desenho, técnicas, vida... E numa dessas, conversando sobre cartões de Natal e a dificuldade de se conseguir uma matriz boa para imprimir em casa, a Débora (@imagineiilustrei) me sugeriu fazer umas gravuras em isopor de bandeja de frios.

Pra minha sorte, ela também fez e enviou imagens do resultado e dos materiais que havia usado. Daí, inspirada e empolgada, hoje arrumei uma bandeja de isopor e me aventurei. Vou mostrar o passo a passo aqui pra você tentar fazer em casa também.

Passo a passo:

Materiais utilizados

Utilizei bandeja de isopor, dessas de embalagens de comida e de qualquer cor; tesoura (para maior segurança, use tesoura sem ponta); estilete (crianças devem ser supervisionadas por adultos, ok?); caneta esferográfica; lapiseira; tintas ou canetinhas hidrocor.

A primeira coisa que fiz foi recortar as laterais da bandeja, para aproveitar somente a área plana do fundo. Algumas bandejas não possuem essas bordas, mas se tiver, é bom remover pra facilitar o manuseio e, além disso, o carimbo deve ser trabalhado em uma área totalmente plana.

Primeiros passos

Depois de cortar as bordas, eu comecei a desenhar os carimbos. Ao fazer isso, precisamos riscar bem de leve para não sulcar o isopor. Usei como primeiro molde a folha de uma planta que tenho em casa. Acho o desenho dela muito bonito! Em seguida é só recortar o desenho com tesoura ou estilete.

Dependendo do tamanho da bandeja, dá pra fazer mais de um desenho. Ou então pode usar a placa como se fosse uma matriz inteiriça e fazer um único desenho ocupando ela toda. No meu caso, optei por fazer vários desenhos de tamanhos e formatos diferentes para testar.

Minhas matrizes

Os detalhes de ranhuras das folhas foram feitos usando estilete e a ponta da lapiseira. Qualquer marcação que fizer no isopor vai resultar em uma cavidade, que ao entintar, não será visível na impressão. Isto é, a tinta só ficará na superfície plana.

Na figura abaixo se pode observar essa característica no resultado das impressões de testes. Entre os materiais usados para entintar, estão canetinhas hidrográficas, aquarela e marcadores Tombow.

Folha de testes

Ao ver os carimbos prontos, comecei a pensar nas composições que daria pra fazer usando eles. Como são móveis e podem ser entintados várias vezes, a variedade de resultados é infinita. Fora que o processo como um todo é muito divertido, e pode servir como ferramenta para atividades pedagógicas.

Resultados:

Exemplos de composições

Em relação aos materiais que usei pra colorir, o que mais deixou resíduo no papel foram as canetinhas hidrográficas. Para conseguir um bom resultado com aquarela, a tinta deve ser pastosa e com pouquíssima água. Não usei acrílica nem nanquim nos testes, mas pela experiência que tenho com essas tintas, recomendo que as matrizes sejam imediatamente lavadas após o uso, pois ao secar, podem impossibilitar o reuso dos carimbos.

A cabeça está a mil pensando em outras maneiras de usar os carimbos que fiz, novas cores, novos formatos... Vou inclusive escanear e transformar em brushes personalizados para usar no Photoshop, pois essa textura do isopor no papel ficou bem interessante.

Fico por aqui! Qualquer dúvida ou sugestão, sabe onde me encontrar.

Até a próxima! o/

Xilogravura

Hoje vou falar um pouquinho sobre minha experiência dessa semana. Entalhes em alto relevo em madeira é um sistema de impressão bem antigo e que, mesmo com o avanço das tecnologias e dos maquinários, é usado até hoje. Xilogravura nada mais é do que gravura em madeira.

Para trabalhar com essa técnica, precisamos de ferramentas específicas, como goivas por exemplo, que servem tanto para entalhar quanto para esculpir. Basicamente são hastes de madeira com diferentes lâminas de metal para entalhe nas pontas. Normalmente são vendidas em conjuntinhos, mas em alguns lugares podem ser compradas avulsas. Outro material necessário é uma placa de madeira macia.

Conjunto de goivas.

Na foto acima podemos observar as diferentes goivas. Cada tipo de ponta possui uma finalidade diferente - sulcar, riscar, aparar... A placa de madeira usada foi MDF 5mm, que é bem baratinho e fácil de encontrar em lojas de material para artesanato. Outro substrato macio e bastante usado, porém mais caro e mais difícil de encontrar, é o linóleo.

Bom, com as ferramentas separadas, precisei apenas escolher um desenho simples para transferir para a madeira. A transferência pode ser feita com carbono, ou papel de seda. Pode desenhar diretamente na madeira também, se preferir. É só ter ciência de que na impressão, o desenho ficará invertido.

Rascunho do meu tubarão.

Desenhei um tubarão para essa experiência. O mês de maio veio com a #mermay, e mergulhei de cabeça nos desenhos sobre o fundo do mar. rs

Processo de entalhe.

A finalização é igual a do post sobre gravura em borracha. Depois que o desenho for esculpido, basta entintar a superfície com auxílio de um rolinho e "carimbar" o papel. Na verdade, o termo que considero mais apropriado para isso é "imprimir", pois essa é uma técnica de impressão.

Ilustrações da literatura de cordel são xilogravuras, e sua estética é bem característica. Vale a pena dar uma olhada para caçar referências e se inspirar. 💗

Até a próxima! o/

Recorte e colagem - A margarida friorenta

Oi, tudo joia?

Essa semana desbravei o mundo dos recortes e colagens. Tanto na plataforma Behance quanto nos perfis do Instagram, achei artistas e designers trabalhando com diversas técnicas com papel em seus projetos: quilling, mosaicos, origami, kirigami.... Uma porção de coisas lindas!

Esquerda: wingfy // Direita: Cyla Costa

A imagem acima mostra um perfil no Instagram e um projeto no Behance que me deixaram bastante empolgada. Se quiser visualizar melhor cada um, linkei os projetos nas respectivas legendas, é só clicar.

Não tenho afinidade com esse tipo de técnica, nem tive oportunidade de trabalhar ainda em um projeto que permitisse essa experiência. Mas fiquei tão entusiasmada, que resolvi fazer uma experiência rápida por conta própria, com base nas ilustrações de um livro que li na infância.

Capa do livro A Margarida Friorenta

Não sei se esse livro era da minha mãe ou da minha tia, mas eu lembro que adorava ficar olhando as ilustrações dele (feitas por Lila Figueiredo) e tentando copiar. Conta a história de uma margarida que sentia frio durante a noite no jardim, e que com a ajuda da Borboleta Azul conseguiu entrar na casa de uma garotinha chamada Ana Maria. Escolhi a página em que a margarida e a borboleta conversam para base do estudo.

Página escolhida e anotações sobre o que deveria ser feito.

Foi difícil pra caramba trabalhar com recorte e colagem. Cortei muita coisa errada, colei meus dedos todos, passei um tempão brincando de homem aranha desgrudando cola da mão... Foco zero. Como eu não conhecia a técnica nem tinha as ferramentas necessárias para deixar o processo mais rápido, passei o dia inteiro fazendo essa ilustração. Confira o processo:

Tentativa de cenário.

Fiz várias camadas de papel recortado para simular as ondas de tremedeira da margarida com frio. A ideia seria encaixar a margarida nesse fundo. O problema é que exagerei nas proporções da flor e o resultado não ficou muito legal...

Tentei consertar colocando um outro fundo por trás de tudo, mas não gostei.

No post anterior eu falei que precisamos desapegar do testes, lembra? Aí eu desapeguei disso, desmontei quase tudo e segui em frente com um plano B.

Resultado do estudo.

Esqueci de fotografar o processo da borboleta. Foi praticamente a mesma coisa, recortes, colagens, e as manchas nas asas eu fiz com tinta branca.

Aplicação em uma moldura.

Se eu fosse repetir, ou trabalhar em melhorias, acho que mudaria novamente a solução do efeito de tremida. Ainda não fiquei satisfeita com ele. Acho que se fizesse aquelas camadas do começo, numa escala maior, ficaria mais bacana. Infelizmente o papel nessas cores do fundo acabou e não dá para repetir o processo. Vai ficar pra outro dia. rs

Ter me arriscado a fazer esse estudo me fez perceber que eu não sou tão sem jeito como pensei. Até que ficou legal. Claro que, tendo material correto e um prazo decente, é possível fazer algo melhor. Valeu super a pena essa tentativa de sair da zona de conforto e trabalhar com colagem.

Penso também que, além do rico uso na publicidade ou como ilustração de livro, essas técnicas são um ótimo exercício para se fazer com crianças em casa ou na escola. Estimula percepção de cores e das formas, trabalha mudanças de planos, faz entender o comportamento de luz e sombra nas superfícies... Fica a dica!

Espero que tenham gostado.

Até a próxima! o/

Coloridos fantásticos e onde habitam

Na vida de quem desenha existem problemas diferentes que pessoas normais não entendem, como por exemplo o medo de estragar um desenho pintando errado. Quem nunca deixou um desenho em preto e branco com receio de colorir e se arrepender? A pessoa que consegue passar o nanquim já é bem corajosa, né? rs

Antes de ter uma mesa de luz, ou os outros recursos digitais que tenho agora, ficava com medo de perder um desenho e acabava não evoluindo as etapas dele. Claro que existem excelentes técnicas de desenho finalizado somente à lápis, ou à nanquim, etc, mas não podemos usar técnica como desculpa para não transpor barreiras.

Pensando nisso, resolvi fazer um cappuccino com três dicas de como tornar esse processo de "desbloqueio" mais fácil. Tá tudo detalhado, o post vai ser gigante, mas espero que goste.

1. Leia sobre teoria da cor
Há um bom tempo, um camarada chamado Isaac Newton, conhecido pela história da maçã e gravidade, descobriu que um prisma era capaz de dividir a luz em um espectro de cores. Pensou que foi Pink Floyd com a capa de dark side of the moon? Não. Foi Isaac Newton mesmo. Sabe como é, né... Na época não tinha Netflix nem Facebook, então as pessoas acabavam fazendo esse tipo de coisa pra passar o tempo.

Voltando ao que interessa, essas cores são as cores do arco-íris, e Newton as organizou em um disco, na seguinte ordem: vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, anil e violeta. Esse experimento originou o disco cromático que usamos em artes, porém, o de Newton fragmenta a luz branca em cores, e o outro disco estuda a mistura das cores pigmento (magenta, amarelo e ciano - também conhecidas como cores primárias) para obter as cores derivadas.

Fiz esse disco cromático para melhor entendimento do que seriam essas misturas de cores. Cores secundárias são as cores obtidas nas misturas entre as cores primárias. As cores terciárias, por sua vez, são obtidas entre as misturas de primárias com secundárias.

Agora, vou apresentar o esquema de relação entre as cores desse disco. Existem dois tipos principais de relações entre as cores: analogia e complementariedade. Cores análogas são aquelas que possuem estrutura parecida em relação à composição, ou seja, uma série de cores que possuem uma cor base em comum. Um jeito mais fácil de entender é olhando o disco. As cores "vizinhas" são sempre análogas, harmônicas entre si.

Já as cores complementares são aquelas opostas no disco cromático. Isso quer dizer que é uma cor formada por duas cores primárias, menos a cor que compõe a sua oposta. Bagunçou... Vou dar exemplo: roxo é complementar do amarelo, ou seja, a mistura que se tem para obter a cor roxa leva todas as cores primárias, menos amarelo.

Para explodir a cabeça agora, heim: existem ainda as cores semi complementares, que são as cores análogas da cor oposta. A cor complementar de roxo é amarelo; laranja, que é análoga de amarelo, é uma cor semi complementar de roxo. Entendeu? O uso de semi complementares possibilita contrastes mais suaves em uma composição.

E por último, não menos importante, a relação entre temperatura. "A máxima prevista para o azul nesta tarde é de 20°C com mínima de 15°C" Nããããoooo.... Não é isso! As cores podem ser classificadas entre cores quentes e cores frias.

A classificação entre quente e frio vem lá da Física, com o comprimento de onda das cores. Quanto maior, mais quente, e quanto mais curto, mais frio. Dúvida? Pensa nos dois cenários: um deserto de areia e montanhas nevadas - qual é quente e qual é frio? Qual a paleta de cores de cada um?

Observe estas imagens do concept art do filme O Rei Leão:

Do artbook - The Art of the Lion King

Na imagem da esquerda, as cores complementares foram usadas para destacar figura e fundo de uma cena alegre, em que as cores análogas e quentes dão ênfase a um momento feliz e divertido do filme. Na imagem da direita, uma paleta com cores análogas e frias foi usada para deixar o cenário do cemitério de elefantes sombrio e assustador.

Com base nesses conhecimentos sobre cores, você pode montar a sua própria paleta para colorir seus desenhos. Pense na sensação que quer passar, pense nas características do seu personagem... o que nos leva a dica número dois.

2. Faça cartelas de cores
Que materiais você tem em casa para colorir? Não importa se é tinta, canetinha, lápis de cor, todo material de pintura tem o mesmo valor e peso quando sabemos explorar as possibilidades. O primeiro passo é preparar uma cartela de cor para consultas.

Nem sempre a cor que vemos no bastão de lápis ou na tampa da canetinha corresponde exatamente a cor do pigmento que é deixado no papel. Para isso, é importante fazer um guia com nome e amostra de todas as cores que você tem.

 Clicando aqui, você vai para um tutorial sobre como fazer cartelas de cor

(em inglês, mas tem vídeo)

Construir e consultar a cartela de cor faz com que a gente saiba exatamente como o material vai se comportar no papel e quais misturas precisamos fazer pra chegar a uma determinada cor ou algum efeito. O risco de fazer cagada besteira é bem menor.

3. Tente desapegar
Terceira e última dica é desapegar. Se você teve competência para fazer um desenho maneiro, com certeza vai ter competência para refazer. Falo por experiência própria que refazer uma criação ou replicar é sempre mais rápido do que criar do zero.

Não tenha medo de errar, pois aprendemos com os erros também. Faça desenhos menos importantes para poder praticar uma técnica nova. Ou ainda, compre um daqueles livros de colorir (ou aquele volume repetido de mangá que você comprou jurando que ainda não tinha). A cada página experimente uma técnica nova, combinações de cores, combinações de materiais... e ao final, você vai ter um livrinho cheio de referências do que fazer, e também do que não fazer.

Olha quanta coisa disponível no mercado!

E aí, gostou? Se você tiver mais dicas, dúvidas, ou quiser contar sua experiência no assunto, deixe um comentário, por favor. Ajudará bastante. =D

Nos vemos no próximo post. Até logo! o/